D'une certaine façon, John Ford était le plus américain des cinéastes.
Cet immigrant irlandais...
Cinéaste
...qui a su capturer le meilleur de l'Amérique,
ce qu'il pensait être l'esprit américain,
l'attitude du 'tout est possible', l'optimisme, l'entreprise.
Ici, dans La Prisonnière du désert,
il étudie le côte' sombre de cette Amérique.
C'était, je crois, une tentative de Ford pour évoquer...
Réalisateur
...une chose profonde de l'esprit humain
et, particulièrement, de l'esprit américain.
Ça vient sûrement d'Ethan Edwards.
Ça n'est pas un méchant.
Mais parfois, il est méprisable.
Et pourtant,
on l'adore quand il dit : "Rentrons à la maison, Debbie."
Qu'est-ce que c'est que ça ?
Écrivain/Réalisateur
Il l'a ramenée.
C'est quelque chose de très puissant.
Je crois que ça nous frappe
vraiment à cet endroit de notre âme qui doit se justifier.
Nos vies ont un sens.
J'avais 13 ans et on venait de finir l'école élémentaire,
l'école élémentaire St. Patrick's Old Cathedral.
Moi et deux copains,
on croyait être assez adultes pour aller dans la 42e ou la 44e rue
au cinéma Criterion, manger au restaurant
et aller voir ce nouveau western dans lequel John Wayne jouait.
On connaissait le nom de Ford pour l'avoir déjà vu
dans d'autres Westerns.
On en a vu beaucoup à la télé.
Pourtant, c'était différent. La situation était différente.
Pourquoi on y allait ne fait aucun doute.
On y allait pour la star, pour Wayne.
Le cinéma s'appelait le Sherman dans la vallée de San Fernando.
Le Sherman était un cinéma que ma famille appréciait
parce qu'il était de 2e choix, c'est-à-dire pas cher.
Les gosses de mon âge rentraient à l'œil.
Ils vous faisaient signe et vous passiez sous le tourniquet.
Je me souviens être entré dans le cinéma.
A cette époque,
comme pour Sueurs froides, et tout autre grand film,
on rentrait, au milieu.
La 1re fois que j'ai vu La Prisonnière du désert, c'était au cinéma.
A Westwood Village.
J'étais complètement retourné.
Je n'avais jamais vu un film pareil.
J'étais tout à fait convaincu que c'était l'ouest authentique.
D'une certaine façon, le réalisateur faisait passer
l'expérience du véritable Ouest directement en moi.
C'était exactement ce que je voulais.
Je voulais vivre dans le véritable Ouest.
Je ne voulais pas être juste un personnage.
Je voulais être Le Balafré, c'est ça que je voulais.
Depuis le tout début, quand elle ouvre la porte
et que la caméra son, tout à coup, on était tous troublés.
Je m'en souviens parce qu'il a fait une grande impression sur moi.
Il était...
si différent...
des autres Westerns.
Il était si sombre qu'il faisait peur.
Et pourtant,
John Wayne était si fascinant,
charmant, héroïque, mais chargé de colère et de violence.
Il est encore dans ma mémoire. C'est très perturbant.
Le voir sur grand écran était très dérangeant.
Ecarte-toi, Martin !
Il faisait peur, mais il était attirant.
C'était assez bouleversant pour moi.
Pourtant j'adorais ça. Je voulais le revoir
encore et encore, comme ça a été le cas les années passant.
J'ai dû le voir quatre fois de suite.
Puis je ne l'ai plus vu pendant des années,
jusqu'à ce que j'entre à l'école de cinéma.
Pendant toutes ces années, j'étais convaincu que je l'avais rêvé.
C'est l'un des plus beaux films,
même si on le voit en 35 mm, qui est son format actuel,
si on le voit au cinéma. Il a été tourné en VistaVision.
Impossible de dire ce que donne la VistaVision en projection.
Il n'existe rien qui soit comparable.
Tout d'abord, l'extraordinaire espace sur l'écran.
Monument Valley n'a jamais été mieux capturée.
John Ford nous a présenté Monument Valley.
A nous, les fans de cinéma.
Mais beaucoup ont tourne' des Westerns à Monument Valley
et dans d'autres lieux grandioses.
Encore une fois, la façon dont Ford utilise ces endroits est unique.
Je n'ai jamais vu de silhouettes dans un si vaste paysage
qui aient eu une telle résonance.
La poésie de son langage, son langage visuel.
On peut dire : "C'est le caméraman."
Oui, mais c'est la relation qu'on a avec le cameraman qui compte.
Il faut parler la même langue.
Il faut véritablement collaborer.
Ford avait un œil aiguisé.
Le visuel des films de Ford n'a jamais été dépassé,
même par Kurosawa ou David Lean. Aucun réalisateur d'aujourd'hui.
Kurosawa aurait dit
d'après certains : "Comment avez-vous appris ?
Avez-vous étudié des peintres ? Des peintres japonais ?
Des peintres européens ?" Il a répondu : "J'ai étudie' John Ford.“
Un mélange de Ford, de VistaVision et de couleur à trois bandes.
VistaVision est le meilleur format qui ait été crée' pour le cinéma.
Ce qui était génial, c'est que c'était
non seulement du panoramique, qui était de meilleure qualité,
mais il y avait une extraordinaire profondeur de champ, tout était clair.
On voyait les expressions des acteurs,
les visages, les mouvements du corps
plus clair qu'en panoramique.
Deux choses se produisaient :
un, il n'y avait pas beaucoup de gros plans.
Généralement, on voyait tout le corps, du genou à la tête.
D'une certaine façon, c'est devenu un support d'acteur.
On apprécie l'acteur. Il pouvait se pousser à gauche.
On disait : "C'était génial."
Certaines des scènes les plus extraordinaires,
les plus profondes sont en plan moyen ou en plan large,
et quand Ward Bond prend la tasse de café
au premier plan en regardant devant
et que John Wayne sort pour dire au revoir à Martha,
il y a une hésitation. Il l'embrasse sur le front.
Ward Bond n'a rien vu. Il regarde devant en buvant son café.
Il est clair que ce moment est lourd
d'un ardent désir mutuel.
C'est de la cinématographie à l'état pur.
Du pur John Ford.
Il force à utiliser son imagination.
Quand on repense à comment Ford raconte cette histoire,
ce qu'on réalise, c'est que la violence contenue dans le film
est si sombre et émouvante,
en partie parce qu'on ne la voit pas.
On voit John Wayne venir du canyon
où il a découvert le corps de Lucy.
C'est à nous d'imaginer ce qu'il a vu là-bas.
Le raid sur la ferme.
L'attaque suicide de Harry Carey Jr. sur les Indiens.
Le meurtre du Balafre' à la fin du film.
Il ne s'agit pas de la violence en tant que telle.
Il s'agit des effets de cette violence.
- Elle était '.7... - Que veux-tu de plus,
que je te fasse un dessin ?
Ne m'en parle plus !
L'un des moments les plus forts dans le film,
et l'un des plus violents dont je me rappelle dans un film,
c'est quand ils arrivent à la maison en flammes.
Souvenez-vous, il y a la robe avec du sang.
Cette robe déchirée
qui fait penser qu'elle était nue et a été violée.
Wayne son.
Jeffrey Hunter arrive et dit : "N'y allez pas."
Et il dit : "Est-ce tante Martha ?"
Il dit : "Ne rentrez pas" et il le frappe.
Il ne peut plus y rentrer.
Ils vont tout laisser brûler parce qu'il ne voulait plus voir ça.
Quoi que ce soit qu'il y ait ici, c'est trop dur pour le Duke.
Je ne veux pas le voir non plus.
Ça m'a montré, en tant que cinéaste,
qu'il est souvent préférable de ne pas voir les choses.
Ford a créé ce langage.
Il a débuté avec le début des films.
C'est une grammaire très raffinée et sophistiquée.
Après avoir grandi et avoir vu le film à la télé...
Je ne parle pas des critiques, je parle de Monsieur-Tout-le-monde,
du gamin moyen, du jeune homme moyen,
ceux qui vont au ciné et qui aiment les films.
On a soudain pris conscience des choses cachées
dans les images. Et quand on a compris ça,
et le personnage d'Ethan Edwards, ce qui se passait en lui,
le film a changé du tout au tout.
Il y a tant de choses dans le script si spécifiques et si brillantes.
La façon dont les différents thèmes s'enchevêtrent,
la façon dont la religion est abordée...
de façon conflictuelle.
Les films de Ford sont catholiques. C'est important.
Ils traitent de moralité.
Ils traitent du bien et du mal avec une certaine puissance.
Le Révérend Samuel Johnson Clayton !
Très impressionnant !
Le frère prodigue !
Le fil conducteur est que
le langage reflète l'Ancien Testament dans tout le film.
Le révérend, Ward Bond, est également capitaine.
On a là l'épée à double tranchant. Un Dieu de l'Ancien Testament.
Le film regorge de commentaires religieux.
C'est l'attitude d'Ethan Edwards envers la religion.
Quand ils trouvent l'indien mon,
c'est choquant, surtout étant donne' que c'est John Wayne
qui tire deux fois dans la tête de l'Indien mort,
directement dans les yeux.
Ward Bond, qui n'est pas seulement le capitaine,
mais aussi un pasteur, dit :
- A quoi bon ? - Ce n'est pas dans vos sermons.
Il n'a pas dit : "Ce n'est pas dans votre religion."
Il a dit : "Dans vos sermons."
Mais les Comanches croient
qu'ils ne vont pas au paradis s'ils n'ont pas d'yeux.
Il errera à jamais dans le vent.
Vous comprenez, mon Révérend ? Allez !
Il connaît les deux religions,
mais il est clair qu'il n'en a adopte' aucune.
Il y a cet autre magnifique moment quand Nesby est mourant.
Ward Bond lui donne la Bible à serrer.
Tiens, ça te fera du bien.
C'est très émouvant.
Dans la même séquence,
quand les Indiens chargent par la rivière, Moïse dit :
Pour ce que nous allons prendre, merci, mon Dieu !
Le personnage de Moïse Harper
joué par Hank Worden, représente un aspect excentrique de l'histoire.
Je veux pas d'argent. Non, pas d'argent.
Juste un toit pour la pauvre vieille tête de Moïse.
Et un rocking-chair près du feu.
L'idiot qui va et vient, mais qui finit par les aider à trouver Debbie
possède un langage des plus poétiques et des plus fascinants.
Son esprit est très intéressant.
Moïse, à combien on est de la rivière ?
J'ai été baptise', mon Révérend.
Ecrase, espèce d'idiot !
Ça reflète le pays, ce qu'était l'Amérique à cette époque.
C'est ce que Ford peignait, parce qu'il était né
à la fin du 19e siècle.
Ses racines étaient là.
Il a dû connaître des gens vivant en 1860.
J'ai toujours dit de Ford et Hawks
qu'ils étaient plus proches de l'Ouest que nous ne Pétions.
Quand Ford a débuté sa carrière,
il y avait des bandits dans la vallée de San Fernando.
On voit un monde tellement ancré dans le puritanisme.
Pourtant, on essayait de survivre dans l'Ouest, de créer une société,
de se marier. Ils portent leurs plus beaux vêtements,
ils se déplacent d'une certaine façon. Tout est interrompu par le combat.
Ce qui est intéressant, c'est la nature de l'image créée par Ford.
Ken Curtis et Jeffrey Hunter
sont couverts de poussière rouge.
Même quand ils rentrent et se battent encore,
la poussière rouge vole. C'est toute l'authenticité.
Mais la poussière, c'est la terre. Ce sur quoi ils vivent.
Où ils s'installent. La nature du conflit lui-même.
Une chose que ce film nous fait ressentir
est le pouvoir constant de la terre.
Tout ce drame se joue devant un paysage immense.
C'est l'ouest dur, où les distances sont énormes.
Ils voyagent jusqu'au Mexique
et remontent pour aller ailleurs.
Il y a la super séquence de la lettre
que lit Vera Miles. Il est intéressant de voir
que pour le maître du genre, John Ford,
on penserait : "A cette époque, ils faisaient des flash-back
avec des dissolutions par vagues irisées avec un coup de zoom."
Regardez ce film. Elle lit la lettre et on passe directement
à l'action. C'est un plan.
Il y a des intersections. Une histoire dans l'histoire.
En parlant de technique, l'ajout de flash-back
ou le récit est très simple.
Le public n'est pas perdu.
Je crois que c'était très efficace.
Ce qui me plaît, c'est qu'elle commence à lire la lettre
et la voix de Jeffrey Hunter continue.
Si on y réfléchit bien,
c'est une chose assez osée à faire.
Mais ça fonctionne parce que c'est logique.
L'utilisation de la lettre
est une façon de raconter unique
parce qu'elle sen d'arrière-plan
pour montrer ce qui se passe à la maison,
mais également, pour la structure, ça condense
la longueur du temps qui passe.
La lettre nous fait voir que Vera Miles,
tout en espérant le retour de Jeffrey Hunter,
devient de plus en plus irritable et frustrée.
Il y a une certaine innocence de la part de Martin Pawley et Vera Miles
qui sont un peu des enfants. C'est un garçon.
Les femmes sont autour d'eux, elle l'aime. Il ne le comprend pas.
Je crois que c'est le contrepoint avec la vérité
que connaît Ethan.
De la façon la plus sombre qui soit.
Ce qui est intéressant, c'est que,
plus tard, elle rend sa robe de mariée et ressemble à Ethan Edwards.
Ne pars pas. Pas cette fois-ci.
- Tu es folle ! - Il est trop tard.
C'est une femme maintenant.
Tout à coup, on voit qu'elle est raciste aussi.
Ramener qui ?
Un rebut des Comanches ? Vendu Dieu sait combien de fois ?
Elle dit toutes ces choses à Martin qui est à moitié indien.
Non seulement elle dit qu'Ethan Edwards va tuer Debbie,
mais elle dit que c'est ce que Martha veut.
Cette situation est si sensible
qu'une mère voudrait voir sa propre fille tuée.
Ethan.
Et Debbie ?
Je crois que l'une des raisons pour lesquelles ce film
est une expérience si riche et satisfaisante
à n'importe quel moment de la vie,
c'est qu'on se retrouve tous dans ce personnage.
Je crois qu'à un certain point, on peut se tromper :
"Ethan Edwards est John Ford." Mais ça n'est pas si simple.
A cette époque, je crois qu'il cherchait quelque chose en lui.
A s'exprimer d'une autre façon.
Jusqu'où pouvait-il aller en tant que réalisateur ?
Pour ça, il devait regarder en lui.
C'était un homme, comme Ethan Edwards,
qui savait ce que c'était que d'être un outsider,
un étranger sans foyer.
Après avoir fait la guerre
comme il l'a faite, après avoir vu ce qu'il a vu,
il a réalise' plus de 140 films.
Cet homme contenait beaucoup d'Ethan Edwards en lui.
C'est un homme qui savait ce que ça coûtait de continuer
quand tous voulaient s'arrêter.
Il avait la force et la persévérance
qui devaient être à la fois effrayantes et source d'inspiration.
Ce qu'il a fait avec Ethan Edwards dans ce film,
c'est prendre la personne de Wayne,
lui donner une complexité psychologique plus profonde
et la développer dans d'autres films.
J'ignore s'il a réussi.
Mais il essayait d'aller par là, de se pousser.
C'est un John Ford qui change avec le temps.
C'est aussi la culture qui change. Il en est affecté.
On n'a pas l'impression qu'il a traité le racisme
comme il l'a fait dans La Prisonnière du désert
parce que la culture évoluait et il voulait faire un carton.
Il n'y a rien, dans cette décision, qui semble commerciale.
Tout ceci était délibéré. Ça commence avec Martin Pawley
qui est de sang mêlé, ce qui n'était pas le cas dans le roman.
La première fois qu'on le voit, il est à cheval
et saute de son cheval "à l'indienne".
Ethan Edwards lui dit amèrement :
On pourrait te prendre pour un métis.
Je n'ai qu'un huitième de sang indien, le reste est anglais.
D'après ce qu'on m'a dit.
La question de la race est permanente dans le film.
On y voit la violence et le racisme de notre société
dont aucun de nous n'est à l'abri.
Tu parles bien notre langue pour un Comanche.
Quelqu'un t'a appris ?...
Les points communs entre Le Balafré et Ethan Edwards
sont si nombreux qu'on pense que Le Balafré est son alter ego.
Tu parles bien notre langue pour un Comanche. Quelqu'un t'a appris ?
Il traitait un sujet important pour lui.
Il est certain qu'il a eu des sentiments profonds
sur la façon dont il avait traité ce sujet par le passé.
On connaît tous le son du clairon
et on a tous une certaine réaction.
Voici la cavalerie. Voici les gentils.
John Ford en a fait l'éloge dans plusieurs films
surtout dans La Charge héroïque.
Mais ici, dans La Prisonnière du désert, il le met à l'envers.
Ethan Edwards et Martin Pawley entendent le clairon de la cavalerie.
Et que trouvent-ils une fois la cavalerie partie ?
Un massacre.
Ça n'avait jamais été montré dans un film d'Hollywood.
On l'a accusé d'être raciste,
alors qu'il ne l'est pas.
Il a fait ce film parce qu'il parle de ce problème.
Il montre que l'humanité nous dépasse de loin.
Il veut que Martin Pawley soit de sang mêlé.
Il veut qu'Ethan dise : "Elle n'est plus blanche."
Et il la sauve à la fin. C'est ce genre de chose.
Il veut aller au-delà de ça. Il est tout sauf raciste.
Il est sorti en 1956. Il a été tourné en 1955.
C'était à l'époque de la Guerre froide.
C'était vraiment l'arrêt de la censure à Hollywood
qui commençait à traiter ces problèmes.
Et voilà ce film à l'écran.
Il contient une certaine sauvagerie.
On comprend la haine. Pourquoi il est haï.
On en éprouve, en lisant le livre ou en voyant le film.
Mais on comprend pourquoi il réagit comme ça.
Et la tragédie de la destruction des Indiens,
la tragédie du choc d'une culture et d'une civilisation contre une autre.
Le tribalisme, voilà ce dont parle le film, pas de race mais de tribu.
Ils sont si éloignés
qu'ils considèrent les Indiens comme n'étant pas humains
ou venant d'une autre planète. Voyez la scène des "captifs" blancs
au fort, avec la réplique extraordinaire
du soldat qui dit : "C'est dur de croire qu'ils sont blancs."
Il répond : "Mais non. Ils sont comanches."
Il son de la pièce.
Soudain, il s'arrête, se retourne
et la caméra se pose sur son visage.
C'est un des meilleurs gros plans du cinéma
quand la caméra va sur Wayne.
Il n'y a pas de lumière dans ses yeux.
C'est un plan incroyable.
On voit son regard où on peut lire du mépris.
On y voit du dégoût. Ce sont les yeux les plus froids et durs qu'on ait vus.
C'est comme regarder dans les yeux de l'enfer.
On voit qu'il est fou. Il veut tuer à ce moment-là.
Wayne le fait très bien, il fait tant passer avec son expression.
C'est exacerbe' par le mouvement de caméra.
Le réalisateur John Ford est si économe en mouvements de caméra
que quand il la bouge, ça n'est pas pour rien.
Le langage aussi.
Un homme chevauche jusqu'à ce que le cheval tombe, puis il marche.
Un Comanche arrive, met le cheval sur pied, parcourt vingt miles...
puis il mange le cheval.
La cadence extraordinaire de Wayne, son rythme de langage.
Sa sécurité dans le langage. C'est très intéressant
parce que c'est un acteur qu'on a toujours sous-estime'.
- Totalement sous-estimé. - Seul Duke pouvait faire ça.
J'adore le fait que les gens ont l'audace de déclarer :
"Duke n'était pas un grand acteur."
Qui, à pan John Wayne, pourrait dire ça comme il le fait ?
"Aussi vrai que la terre tourne."
C'est biblique.
Je te promets qu'on les retrouvera.
Aussi vrai que la terre tourne.
Quand on regarde La Prisonnière du désert
et le jeu de John Wayne dans ce film, on sait
qu'on voit la vérité.
Et comme la vérité est laide, de plus en plus folle,
contraire à l'image de star de cinéma de John Wayne,
ça semble être une performance très courageuse.
On est témoin de la désintégration de cet homme.
Il devient de plus en plus fou. C'est choquant.
C'est ce qui a fait grandir le film.
C'est le personnage d'Ethan.
Sa relation, à la fin, avec Marty Pawley.
La relation père-fils, comment elle se développe.
La relation entre Ethan Edwards et Martin Pawley
constitue clairement le cœur du film.
Le titre original est au pluriel.
On voit ce personnage grandir,
littéralement, tout au long du film.
Il est devenu celui
en qui on espère, pour qu'il empêche Ethan Edwards
de perpétrer l'horrible chose qu'il veut faire.
Je ne veux pas de ça. Elle est vivante, elle le restera.
Pendant de nombreuses années, John Ford
était Ethan Edwards pour le Martin Pawley de John Wayne.
On entend des histoires sur la façon dont il le taquinait.
La façon dont il le houspillait
et ce qu'il lui donnait aussi,
de la même façon qu'Ethan Edwards donne à Martin Pawley.
Tout le monde m'a dit combien Ford était dur avec Wayne,
mais je ne crois pas que c'était comme ça à l'époque.
Ça faisait longtemps qu'ils n'avaient pas tourné.
On a l'impression qu'ils ne savaient peut-être pas
combien ils allaient pouvoir encore en tourner.
La collaboration entre John Wayne et John Ford
est une des grandes collaborations acteur-réalisateur de l'histoire.
De temps en temps, on voit un film
où une collaboration acteur-réalisateur
produit une performance et un film
où il nous semble voir la vérité devant nos yeux.
Ce que donne l'acteur dans son jeu
est si brut et si réel que, pour la première fois,
on voit vraiment l'essence de cet homme
et l'essence du cinéaste avec qui il travaille.
Depuis La Chevauchée fantastique, en 1939, quand Johnny Ringo
jouait le héros de western américain,
le héros mythologique, le bandit qui est un gentil, jusqu'à la cavalerie.
C'est la progression de l'acteur John Wayne. Du Capitaine Brittles,
l'homme plus âge', à finalement La Prisonnière du désert.
C'est le parcours dans lequel il a emmené ce jeune acteur.
Il l'a accompagné et l'a utilisé comme son instrument
pour explorer son propre changement.
Brittles avait aussi une certaine similitude avec Ford lui-même
dans La Charge héroïque. On voit un changement dans l'Amérique.
Dans sa perception de l'Amérique, devrais-je dire.
Il ne comprenait pas notre époque.
Il ne comprenait pas le concept qu'on ait tout
et qu'on ne sache pas quoi en faire.
La plus grande chose pour lui, ça n'était pas ce film ni un autre.
C'était la Seconde Guerre mondiale.
Il était amiral dans les services secrets.
C'était mieux que d'être réalisateur.
Il n'y a pas d'Oscars qui puissent lui avoir donne' autant de fierté
que d'avoir servi son pays.
La génération qui s'est battue pendant la guerre
et celle qui est née pendant la Dépression,
avaient cette attitude, le stoïcisme à la John Wayne.
On ne se vantait pas de ce qu'on faisait.
On partait. C'est John Wayne dans La Prisonnière du désert.
Il est parti à la fin.
J'ai fait ce que je devais faire et je poursuis mon chemin.
Une génération est passée.
Il n'y avait plus de place.
La génération nécessaire pour vaincre les Indiens,
la génération qui pouvait se tailler sa place sur la frontière
n'avait plus droit de cite'.
La nouvelle génération aurait des enfants et élèverait du bétail.
C'est triste à la fin.
Mais c'est plus que ça
parce que je sens qu'il a progresse
jusqu'au début d'une sorte de paix.
Ça n'est pas un happy end.
Il n'a pas franchi la pane et il ne va pas vivre dans la maison.
Mais qui l'avait pensé ? Il n'est pas comme ces gens.
Il s'en va...
Bien sûr John Wayne avait les plus beaux départs du cinéma.
Il s'en va avec une grâce incroyable.
On ressent une certaine sérénité.
C'est le début, pour lui, de l'acceptation de certaines choses.
Au final, en plus du pouvoir visuel de ses films,
de cette capacité à projeter des images si renversantes,
et de savoir intrinsèquement comment les gens doivent bouger
dans le cadre, les images,
pour donner la perspective de l'histoire,
pour vous raconter ce qui se passe...
Au final, on se souviendra de lui comme d'un grand artiste,
un grand cinéaste, à cause de la façon dont il traitait les gens.
Il aimait vraiment les gens. Il avait du cœur.
C'est la façon dont les gens se superposent. La famille à table.
La superposition des dialogues.
Dans un seul plan. La caméra reste fixe.
Mais regardez et étudiez ce que chaque acteur fait dans ce cadre.
Minute, je n'en ai pas encore eu.
Attendez, j'adore ces beignets.
J'ai commence' à être ému par cette scène
parce que je vivais comme ça.
Tout le monde venait chez vous.
En été, la porte était ouverte.
On allait chez les autres s'il y avait une fête.
S'il y avait une dispute, on les séparait.
Il se passe tout ça. Ça a affecté énormément le travail que je fais.
Quand on était jeune et qu'on regardait ces films,
on se disait qu'il fallait faire ça, qu'il fallait se servir de sa vie,
de ses propres sentiments,
qu'il fallait y revenir encore et encore.
On voit qu'il aimait ça.
C'est ce qu'on a essayé de placer dans tous nos films.
Ce qui nous inspire en revoyant un film
comme La Prisonnière du désert, en y repensant
ou en en parlant,
c'est qu'il nous replonge dans nos motivations pour faire ce métier.
Même si je ne vois pas d'influence directe,
du point de vue du style en tout cas, de John Ford,
ce qui m'a sans nul doute influence',
c'est l'exemple qu'il a établi.
Le courage dont il a fait preuve en tournant ce film.
C'est bien de se souvenir de ça à notre époque des groupes d'études
et de toute l'importance que revêt le jour de sonie d'un film.
C'est un film qu'on regarde, 50 ans plus tard,
dont on parle et où nous trouvons une certaine pertinence
et un nouveau sens. Pourtant, à l'époque où il a été fait,
il fut néglige' par la critique, en grande partie,
néglige par les Oscars dont il ne reçut aucune reconnaissance.
Il nous dit une fois de plus, s'il faut nous le rappeler,
que le temps est du côte' des artistes.
Et le temps est le seul vrai critère qui permet de juger une œuvre d'art.
Rentrons à la maison, Debbie.